Periódico da área de Arte Educação, vinculado ao Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais, do Centro de Artes, Design e Moda da Universidade Estadual de Santa Catarina (Udesc). ISSN: 2447-1267 Periodicidade: Fluxo contínuo Ano de criação: 2015
Universidade do Estado de Santa Catarina
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A filosofia do gesto criador em Paul Valéry
Este texto se propõe a investigar, na obra de Paul Valéry, a concepção de uma filosofia do gesto criador, ou, mais precisamente, a compreender como – por meio dos movimentos produtores da sensibilidade humana, desde sua caracterização geral como resposta ou reação inconsciente até aquela em que a consciência, em uma condição elevada de vigília, desenvolve a capacidade de compor ações complexas, segundo a compreensão do autor – se dá, em seu pensamento, a conduta estética criadora. Para tanto, tem-se como objetivo a análise de parte da obra Cours de Poétique, sobretudo das primeiras aulas contidas no primeiro volume, referentes ao período de 1937 a 1940. Desse modo, buscar-se-á entrever e delinear o pensamento da criação segundo os pressupostos e os preceitos valerianos.
Direitos autorais (c) 2026 Letícia Testa, Máximo Daniel Lamela Adó https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Abrir os olhos: O Grafismo Infantil a partir da coleta de materiais alternativos
O presente ensaio apresenta os resultados de um estudo de caso desenvolvido na disciplina de Artes Visuais e Grafismo Infantil, ofertada para a segunda fase do curso de Licenciatura em Artes Visuais, da Universidade do Estado de Santa Catarina (UDESC), em 2025. O texto reflete como diferentes proposições influenciam a produção gráfica de uma criança de 10 anos, evidenciando os contrastes entre esquemas habituais do desenho infantil e processos mais cautelosos de observação e experimentação. A discussão é permeada pelos conceitos de coletas e de cena pedagógica, compreendidos como práticas organizacionais que articulam a percepção e experiência estética dos materiais, em diálogo com Cunha (2021), Silva (2017; 2022), Lima e Lampert (2023), e Albers (2006).
Direitos autorais (c) 2026 Maria Fernanda Elias , Tharciana Goulart da Silva https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Azul Revelado: diálogos entre cianotipia, processos criativos e aprendizagem
Este relato apresenta a experiência de utilizar a cianotipia como ferramenta pedagógica alternativa no ensino de artes visuais, explorando seu potencial para favorecer o processo criativo e ampliar as possibilidades expressivas dos alunos. A proposta foi desenvolvida no contexto de um Mestrado Profissional em Práticas de Educação Básica, articulando arte, ciência e natureza de forma poética e experimental. A experiência ocorreu em duas etapas: a aplicação de um Produto Educacional, centrado na temática da identidade, e uma oficina inspirada na trajetória da botânica Anna Atkins (1799–1871), pioneira da fotografia. Os resultados apontam que a cianotipia, ao unir o rigor científico ao fazer artístico, estimula a curiosidade, a sensibilidade e a autonomia dos estudantes. A técnica revelou-se não apenas um conteúdo a ser ensinado, mas uma forma de pensar e vivenciar a arte de maneira significativa, transformando a luz, o tempo e o olhar em linguagem, criação e aprendizagem.
Direitos autorais (c) 2026 Andiara Lourenco, Francisco Roberto Pinto Mattos https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Ateliês temporários: a residência artística como espaço de criação
Este artigo analisa iniciativas de residências artísticas que apoiam o desenvolvimento de projetos e de pesquisas em poéticas visuais de artistas. Propomos pensarmos os espaços de criação das residências artísticas enquanto ateliês temporários, entendidos como lugares de encontro e diálogo entre artistas, críticos e curadores. Abordamos inicialmente as estratégias da criação da Bolsa Pampulha (MG) e a Bolsa Produção para Artes Visuais (PR), levando em consideração que são projetos realizados em centros urbanos a partir de instituições culturais. Em seguida, analisamos a experiência dos projetos Residência Sergius Erdelyi e Residência Fim do Mundo, que ocorreram fora das capitais com o objetivo de proporcionar uma experiência de imersão incluindo ações com a comunidade e se valendo das memórias locais como parte do processo.
Direitos autorais (c) 2026 Milena Costa de Souza, Mariana Bernal https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
O atelier como território de escuta e de pensamento cromático: Reflexões teórico-práticas sobre a cor e o atelier enquanto lugar de reinscrição simbólica
O presente artigo reflete sobre o processo artístico em curso no âmbito da investigação intitulada Kairos Babel, integrada no Doutoramento em Pintura da Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa. Centrado na prática artística, o estudo aborda o atelier como território de escuta e de pensamento cromático, no qual o gesto, a cor e a matéria se articulam como modos de conhecimento. Partindo da observação empírica do espaço de trabalho - considerado simultaneamente lugar físico e dispositivo conceptual -, a investigação analisa de que forma as condições cromáticas, materiais e simbólicas do atelier interferem na construção da imagem e na experiência percetiva. Apoiada em referenciais teóricos como Josef Albers, Norman Bryson, Barbara Bolt e Merleau-Ponty, a reflexão propõe o atelier como um campo performativo de aprendizagem sensível, onde o saber resulta da ação e do erro. O texto analisa ainda o uso do rosa como eixo cromático e simbólico, relacionando-o com os conceitos de poiesis, “não-lugar” e reinscrição simbólica. Assim, defende-se que a prática pictórica, ao conjugar experiência, memória, matéria e cor, constitui um modo de reinscrição identitária e de pensamento visual situado.
Direitos autorais (c) 2026 Vera Fonseca https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Locais destinados à criação artística, comumente, confluem existências e projeções; deixam ver, enquanto espaço amostral, feitos e possibilidades e, sobretudo, comportam ânsias, desejos e urgências que atravessam e contaminam o pensamento do artista. Nesse sentido, constituído por proposições artísticas realizadas durante os anos de 2020 e 2021, período, este, no qual, isolados, sobrevivíamos aos dias mais duros da pandemia do coronavírus, o presente ensaio visual pensa o ambiente doméstico como laboratório de pesquisa, os processos artísticos enquanto experimentos e o corpo humano como objeto de estudo e análise. Apresenta, dessa maneira, um conjunto de trabalhos que, orientados pela prática fotográfica e em diálogo com o universo imagético das ciências médico-laboratoriais, escoa angústias e reflexões surgidas naquele contexto – em que a manutenção da vida estava condicionada ao isolamento social e as perdas humanas eram transmutadas em estatísticas, números frios quase desgrudados de qualquer traço de humanidade; sujeitos transformados em objetos. “corpo de estudos, objetos de análise” registra, portanto, um recorte de investigação poética; amostras de uma prática associada a um tempo e a um lugar específicos, a um corpo e a alguns medos.
Direitos autorais (c) 2026 Henrique Walter Ribeiro, Rebeca Lenize Stumm https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Ver arte a partir do ateliê: a inseparabilidade entre processo artístico, lugar de criação e sentido
Este artigo busca aprofundar a pesquisa em processos artísticos a partir de um enfoque que mira no espaço de criação - ateliês - em sua múltipla acepção, para alcançar camadas de sentido que podem ser reconhecidos nos trabalhos finalizados em ambiente expositivo. Para isso, foi realizado um estudo de caso do processo de Rodrigo Dulcio, artista da geração 2000, escultor e desenhista residente em Curitiba/PR/BR. A abordagem metodológica para este estudo foi o proporcionado pelos movimentos de aproximação e distanciamento do espaço do atelier e do processo criativo. Esta abordagem permitiu uma imersão no processo criativo e uma mirada panorâmica dele em relação ao campo artístico local. Para isso, adotou-se um quadro teórico que buscou entender a experiência do espaço de criação a partir de John Dewey e do processo criativo como habitus de um campo, a partir de Pierre Bourdieu. Deste modo, foi possível verificar o quanto o lugar de criação está imbricado no processo criativo e o quanto essa imbricação torna mais claras as relações entre poéticas de artistas de mesma geração com as de antecessores locais e da história da arte.
Direitos autorais (c) 2026 Lilian Hollanda Gassen https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Fazer-sentir-pensar com fios e tramas: uma proposta de pesquisa educativa em arte
A presente pesquisa educativa em arte tem como objetivo geral criar espaços pedagógicos para o encontro, a experimentação, o pensamento e a invenção com linguagens artísticas, em particular, com o têxtil contemporâneo e o tradicional. Desde 2013, o Ateliê de Tecelagem, localizado na Licenciatura em Cultura e Arte da Universidade de Guanajuato/México, instituição na qual atuamos, se configurou como um local propício para desenvolver experiências com o fazer-sentir-pensar utilizando fios e tramas. Neste texto, procuramos apresentar alguns processos de trabalho e as possibilidades metodológicas, bem como, os caminhos reflexivos que observamos/encontramos na prática docente e artística realizada por estudantes que frequentaram o ateliê durante um semestre letivo. Investigamos de que modo o trabalho com processos de produção artística, que implica o desenvolvimento de conhecimentos, habilidades e competências sensíveis na arte, foi ressignificado pelas/os jovens universitários nos seus projetos pessoais e coletivos de produção têxtil.
Direitos autorais (c) 2026 Vanessa Freitag, Miguel Ángel Arce Ortega https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Este ensaio traz algumas notas sobre a experiência inteligente com o Plano de Ensino Paula Rego: Dar uma Cara ao Medo, ofertada no curso de licenciatura e ministrada pela Professora Doutora Jociele Lampert como requisito parcial para o Estágio Docência I do Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais/Doutorado na área de concentração Ensino das Artes Visuais, no segundo semestre de 2022 embasado em John Dewey no livro Natureza Humana e Conduta, que ressalta acerca dos costumes e suas influências de maneira desfavorável nas crenças, emoções e propósitos relacionados à moral. Concretamente, isso leva a uma separação entre hábito e pensamento. Nessa obra, Dewey expõe que os pensamentos alimentam pensamentos e não ações nesse processo separativo. E, consequentemente, os métodos atuais em educação multiplicam uma democracia de oportunidades imitativa ao não criar condições para pensamentos funcionais. E a arte, nesse sentido, torna-se pobre ao depreciar o valor moral das artes. Entretanto, ao propiciar-se um ensino na arte deliberativa de energias, com uma harmonização de formas construtivas, o caminho investigativo no ensino da pintura vale-se de um sentido moral na perspectiva de possibilitar que as habilidades práticas levem ao exercício do pensamento em uma experiência inteligente.
Direitos autorais (c) 2026 Jaci Aico Kussakawa, José Carlos da Rocha https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Caderno Ateliê Entrelaçamentos entre Arte e Vida
Este artigo narra a trajetória de pesquisa que entende o caderno de planejamento docente como um dispositivo de criação artística e autoria pedagógica. Partindo de sua função original de organização, o objeto transforma-se em um território de experimentação estética e reflexão crítica, onde o planejamento pedagógico e a investigação artística coexistem organicamente. O Caderno Ateliê. A fundamentação teórica articula a noção de planejamento de Madalena Freire (1983), a Abordagem Triangular de Ana Mae Barbosa (1998), com seus eixos conhecer, refletir e produzir e a filosofia de arte como experiência de John Dewey (2010), que concebe o cotidiano como matéria prima do fazer artístico e educativo. O pensamento avança em diálogo com a escrevivência de Conceição Evaristo e a curadoria de Koyo Kouoh, que valorizam narrativas em “tons menores” e a potência estética do ordinário. A análise do percurso, documentado ao longo de duas décadas, demonstra como o Caderno Ateliê se torna um arquivo vivo do processo de ensino-aprendizagem, um laboratório para estudos gráficos e cromáticos e, finalmente, a premissa para obras que transbordam suas páginas como murais e telas. Conclui-se que a prática legitima o educador como produtor de cultura e revela como o extraordinário pode habitar o ordinário, convidando à revisão dos próprios registros cotidianos como atos de insurgência poética e autoria.
Direitos autorais (c) 2026 Fernanda Werneck, Jociele Lampert https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Quando a estória é boa, a verdade é irrelevante: Entrevista com Emmanuel Nassar
A presente entrevista com Emmanuel Nassar aborda sua trajetória artística, seus processos de criação e suas reflexões sobre a produção plástica, com ênfase nas relações cromáticas e no uso da ironia em seu corpo de obras. O texto resulta de uma série de diálogos iniciados em agosto de 2025 e desenvolvidos ao longo do mesmo ano entre ambos os artistas. Inserida em uma pesquisa dedicada ao estudo da cor e da ironia, a entrevista propõe questões que aprofundam a compreensão do desenvolvimento cromático na obra de Nassar, bem como suas possíveis conexões com pensamentos, narrativas e circunstâncias pessoais, especialmente no que se refere ao emprego da ironia em sua prática visual.
Direitos autorais (c) 2026 Júlia Hallal, Marco Giannotti https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Expor para ensinar: pedagogias culturais e reconfiguração do campo da arte afro-brasileira (1988–2025)
Este artigo analisa como a produção de autoria negra vem ocupando território no cenário da arte brasileira a partir do estudo comparativo de seis exposições coletivas dedicadas à arte afro-brasileira entre 1988 e 2025. Tomando como marco inicial A Mão Afro-Brasileira (1988), investiga-se a transformação do campo por meio de um banco de dados estruturado com informações sobre artistas (gênero, ano de nascimento, estado de origem e formação). O eixo conceitual central é o de pedagogia cultural (Andrade; Costa), compreendida como o conjunto de práticas e artefatos que produzem aprendizagens, valores e imaginários para além da escola. Nessa perspectiva, exposições e catálogos são entendidos como dispositivos formativos que ensinam modos de ver, interpretar e narrar a presença negra na história da arte brasileira. A análise dialoga ainda com Pierre Bourdieu, no entendimento do campo artístico como espaço de disputas simbólicas, e com autoras como Linda Nochlin e Sueli Carneiro, ao abordar desigualdades de gênero e raça. Os resultados indicam três tendências curatoriais — histórica-genealógica, transição moderna e contemporânea — evidenciando ampliação territorial, pluralização de gênero e consolidação acadêmica. Conclui-se que essas exposições não apenas ampliam visibilidades, mas reconfiguram pedagogicamente os critérios de legitimação e memória que estruturam o sistema artístico brasileiro.
Direitos autorais (c) 2026 Francione Oliveira Carvalho, José Albio Moreira de Sales https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Movimento (Re)existência: poéticas de conscientização
O texto trata de ações desenvolvidas junto ao Movimento (Re)Existência, que ocorreu na Universidade Federal de Pelotas – UFPEL, no período de outubro a dezembro de 2016, como forma de oposição às alterações das políticas educacionais impetradas pelo governo federal, através da Lei nº 13.415 de 16 de fevereiro de 2.017 (ex-Medida Provisória 746/16). Alterações essas que interferiram no processo de humanização dos sujeitos e sua relação com a educação do sensível, dentro e fora do ambiente escolar. As considerações e a avaliação realizada realçam as lutas históricas em prol da manutenção do ensino da arte em todos os níveis de formação, no cenário nacional e local. O viés segue a dimensão micropolítica das práticas cotidianas, enfatizando o papel da arte e dos artistas como agentes políticos de transformação.
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ATELIÊ DE PINTURA 1336: AULAS E EXPERIÊNCIAS
Entrevista com o professor e pintor Alphonsus Benetti, exclusiva e concedida para os autores.
Direitos autorais (c) 2018 REVISTA APOTHEKE
Proposições artísticas e jogos similares.
O Ensaio Visual Proposições artísticas e jogos similares resulta da disciplina Sobre Ser Artista Professor ministrada pela Professora Dra. Jociele Lampert no Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais da Universidade do Estado de Santa Catarina – UDESC/CEART.
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Sobre ser professor artista: possibilidades metodológicas para o ensinar e o fazer artístico
Este é um relato sobre as vivências da disciplina “Sobre Ser Professor Artista”, a qual articula teorias e práticas do ensino das artes, sobretudo, a partir do pensamento filosófico de Dewey. Em sua perspectiva, a educação é compreendida como um fazer artístico (e criativo) que abre espaço para o professor-artista. Assim, almeja-se apresentar a metodologia de ensino diferenciada que foi aplicada na disciplina, na expectativa que propostas transgressoras e ativas como essa possam despertar novas práticas pedagógicas e processos artísticos. A discussão perpassa as bases teóricas da disciplina, principalmente pela leitura contemporânea dos palestrantes convidados. Posteriormente, apresenta-se as experiências do ciclo de desafios, propostos como forma de instigar o pensamento reflexivo e a pesquisa por meio de práticas artísticas, conforme entende Sullivan (2005). Como principal aprendizado, ficou a concepção que a arte também é vida e o pensamento artístico e criativo fazem parte do cotidiano.
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Artista.Professora.Pesquisadora em continuum
Ser e Estar mergulhada em estados de criação tem sido há anos, uma escolha fundante. Invento ao mesmo tempo palavras, imagens e proposições artísticas. Nesse artigo recorto parte dessa produção e faço elos entre o Poema IX do livro de poemas Caracol é uma casa que se anda e Ações Performáticas – A Casa Vestida. O tema central, em ambos, é a CASA em sentido bastante ampliado. Dialogo com escritores, filósofos, artistas e arte educadores. Neles ancoro minhas inquietações e os modos de ativar miúdos do mundo para que virem formas potentes de arte em vidas acesas.
Este artigo pretende lançar algumas reflexões acerca dos processos de formação do professor-artista, tomando como perspectiva o conceito de desbravamento. Este conceito foi tramado a partir de explorações em lugares abandonados e, derivado de um projeto artístico, passou a fazer parte dos investimentos de pesquisa do autor. Neste sentido, o termo designado para a produção artística também ganhou forças para as questões teóricas, lançando vistas às saídas em busca da formação do professor de Artes Visuais pelos caminhos que compõem o professor-artista. Caminhos esses que ultrapassam os espaços formais de aprendizagem e nutrem-se da diversidade de ações realizadas ao longo dos processos de formação.
Este trabalho é um convite ao leitor para pensarmos juntos o movimento cultural hip-hop como forma de arte contemporânea e ferramenta de ensino e transformação social e os processos criativos do rap e os conceitos que envolvem suas construções, junto do seu possível deslocamento para campo da educação. É neste contexto que se apresenta o conceito que envolve o ato de Rimar-Educar-Pesquisar, articulando o rimador – aquele que cria música, realiza improvisos, versos e poemas, transmite a mensagem e também a recebe – o educador – aquele que ensina e aprende de forma conjunta, utiliza a pedagogia científica e empírica – e o pesquisador – aquele que utiliza-se de sua experiência, vai a campo, busca dar profundidade ao seu conhecimento, investiga, vasculha e coleta dados, através de leituras, entrevistas, e outras técnicas para buscar aquilo que precisa. Neste sentido se articula, através do hífen o Rimador-Educador-Pesquisador.
Perguntas, anotações [sob exercícios de escrita e escuta]
O presente texto foi escrito sob o efeito de propostas de exercícios de escrita e escuta, e a partir da reverberação de apontamentos e reflexões ocorridas durante e após a oficina Laboratório Imersivo - Projeto TUBO DE ENSAIO, por mim conduzida em parceria com Andrea Bardawil, no SESC-Cacupé, em Florianópolis, em 2015. A oficina integrou as atividades do Projeto TUBO DE ENSAIO - Composição [Interseções + Intervenções], coordenado por Sandra Meyer, Jussara Xavier e Vera Torres. Deste modo, este texto desdobra reflexões de um texto homônimo, publicado no livro Tubo de ensaio: composição [Interseções + Intervenções] (2016), investigando algumas de suas perguntas e indicando outras reverberações de experiências, as quais atravessam meus processos enquanto artista, professora e pesquisadora. As anotações propõem diálogos com George Brecht, Yoko Ono, John Cage, Jorge Larrosa, Thierry Davila, Maurice Blanchot, David Le Breton, entre outros autores.
Cy Twombly: Rabiscos, Manchas e Borrões.
O artigo discorre sobre algumas das características que compõem o desenho e a pintura; como essas duas linguagens se relacionam e onde se distinguem. O texto se apoia nos escritos de Roland Barthes em que o filósofo analisa as obras de Cy Twombly realizadas no período de 1961 a 1979 e no ensaio de Walter Benjamin que data de 1917, no qual o autor apresenta de maneira disjuntiva os elementos da pintura e os do desenho. As duas reflexões examinam aspectos como a mancha, o suporte, o traço, inscrições e grafismos. Barthes comenta sobre elementos que estão presentes nas pinturas de Twombly que poderiam ser tidos como exclusivos do vocabulário do desenho. A partir das abordagens apresentadas pelos dois filósofos, pretende-se promover um debate sobre essas duas linguagens, problematizar as especificidades de cada uma bem como refletir como essas características se mostram na arte mais recente.
Criação, Experiência E Compartilhamentos – O Ser E Estar Artista Professor.
Este ensaio inserido no debate em torno do tema “Artista Professor– ser e estar”, reúne diversas reflexões pessoais sobre o tema, considerando também a experiência deste pesquisador como ponto de partida. No cerne desta questão, a reflexão a ser desenvolvida deverá seguir o ser e estar deste artista/professor, indagando o que significa ser um e outro, ou apenas ser em tempo integral, sou ou estou artista/professor?
“Isto não é um cachimbo”: designares para um desenho e um ensino do Desenho emancipador
Este trabalho busca demonstrar e refletir sobre o Desenho e seu ensino desde compreensões de uma investigação Doutoral em Educação Artística na Universidade do Porto, Portugal, finalizada no ano de 2015. Além disso, discute sobre os métodos de pesquisa escolhidos em Arte/Educação Baseada nas Artes Visuais, de forma a contextualizar as plataformas metodológicas apropriadas para a problemática apresentada. No enfoque e na necessidade de interpretar o que vem a ser “saber desenhar” e “não saber desenhar”, que trago algumas considerações a partir de narrativas visuais no diário de bordo da referida pesquisa, (re)olhando para suas questões próprias, questionando os discursos e as práticas disseminados em cursos de licenciatura na atualidade. Por fim, sugero uma maior atenção para o Desenho e seu ensino na formação de professores de Artes Visuais no Brasil e em Portugal.
O desenho na formação do profissional professor
Partindo do pressuposto de que o desenho sempre trouxe apreensões no processo de ensino-aprendizagem, por estar associado à “técnica”, domínio e treino, objetivo, com este artigo, propor, por meio da descrição de um experienciar, uma alternativa criativa quanto ao ensino do desenho, de forma a contribuir na/para formação do professor. Nesse compartilhar de uma realização do curso de formação superior em Artes Visuais-licenciatura, o desenho entra tanto como entremeio de um processo, quanto em paralelo à pesquisa sobre anomalias de nascença ou adquiridas, contrapondo o conceito de belo estético que muitas vezes tem como característica essencial do percurso. Ainda, teço considerações teóricas sobre o espaço escolar, sobre o professor e seu protagonismo nas relações científicas e sociais na formação do sujeito, bem como sobre a contribuição significativa que essa linguagem pode para a percepção, reflexão e criatividade na relação aluno-realidade-arte.
Na superfície da areia o movimento efêmero do desenho
O texto aborda o desenho na superfície da areia observados em percursos estéticos realizados no Pontal da Daniela situado em Florianópolis, Santa Catarina. Em práticas artísticas pela orla da praia, registrou-se imagens fotográficas dos rastros de pequenas espécies, habitantes deste lugar, que configuravam desenhos singulares e espontâneos sem interferências humanas. No processo da escrita, entre articulações filosóficas e poéticas, apresentam-se essas imagens em atravessamentos com as noções de invisibilidade e visibilidade, presentes na linguagem do desenho em Jacques Derrida, e com a configuração de uma quase virtualidade em modos de ver de David Lapoujade. Finalmente, a configuração do trabalho propõe trazer os esboços que se desenham e se inscrevem no território arenoso, intensificando suas existências mínimas.
Uma reflexão autoenográfica sobre a aprendizagem e o ensino do desenho
Esse texto aborda o tema da aprendizagem e do ensino de desenho a partir de uma vivência pessoal. Tem o objetivo de compartilhar experiências sobre um contexto específico, passível de comparações com outros casos desse campo de estudos. A partir da perspectiva autoetnográfica de David M. Hayano (1979), constrói uma narrativa biográfica cronológica. Apresenta uma síntese descritiva de eventos cotidianos relacionados à problemática do desenvolvimento de habilidades técnicas do desenho figurativo. Descreve algumas das dificuldades encontradas durante as atividades de ensino de desenho em cursos de graduação na área de artes visuais. Relaciona algumas das estratégias utilizadas para superá-las, e finaliza com uma reflexão sobre o papel das repetições e correções na aquisição destas competências.
O Desenho-Escritura de Ana Hatherly e Mira Schendel
A arte contemporânea é um regime de saber que tem se tornado cada vez mais permeável, portanto as contaminações entre disciplinas e meios é uma recorrência. Os desenhos de Mira Schendel e Ana Hatherly que se fundem. Com seus textos e escrituras são exemplos do diálogo entre narrativas, memórias e diários que expandem o processo plástico. O presente artigo aborda o desenho das duas artistas e sua relação com a escrita.
O desenho como membrana: processos, aprendizados e compartilhamentos
O presente artigo pretende refletir sobre a importância do desenho como ferramenta sensível e produtora de conhecimento, assim como, uma técnica porosa, que atravessa e faz parte de diversos modos do saber. Em sua capacidade plástica de criar imagens, o desenho também carrega a possibilidade de emancipar a imaginação, fazendo parte de nossos projetos de vida, assim como, também, de um projeto cultural, político e social em perspectiva mais ampla. Com essas premissas, traço reflexões sobre a prática e a operação dessa linguagem, ampliando os processos porosos do desenho às urgências e necessidades do cotidiano vivido e compartilhado.
The Notebooks of Leonardo da Vinci,1 copilados e editados dos manuscritos originais por Jean Paul Richter são evidências cabais de que para Leonardo o desenho era fundamental em todas as suas múltiplas atividades. Contudo nos dias atuais há um desinteresse enorme por pesquisas que esclareçam a importância do desenho para profissionais projetistas, para o cotidiano das pessoas, para o desenvolvimento da cognição e na educação para as Artes, para o Design, para a Arquitetura. Até mesmo o desenho da criança tão estudado até a década de 80 tem sido esquecido. De Luquet (1913) a Claire Golumb (1992)3 muita pesquisa confiável foi produzida sobre a evolução do desenho livre da criança, mas o que se escreve e se vende hoje são meras receitas para aprender a desenhar, entre elas o livro Drawing on the Right Side of the Brain Workbook (1998)4.Os exercícios que Betty Edwards propõe neste livro produzem bons resultados por serem desinibidores da expressão, mas cientificamente nenhuma pesquisa demonstrou que realmente ativam o lado direito do cérebro.
Sensações, misturas e plasticidade: quando as crianças experimentam e descobrem a Arte Contemporânea
O presente artigo visa discutir as aproximações das crianças com a arte contemporânea em contextos escolares apontando para possibilidades de proposições que fomentem este encontro.